El photoshop de nuestros sueños!!!

Simplemente tienen que verlo, sería una maravilla para nosotros los diseñadores Gráficos!!

Visiten la pagina de internet : http://www.nobic.com.mx/photoshop/browser/

Edgar Saner

Su trabajo tiene múltiples personalidades que se pueden encontrar en sus  dibujos, grafittis, murales, ilustraciones, etc. oscilaban entre lo infantil y lo perverso.

Con influencias que van del cómic y el impresionismo a la propaganda y publicidad mediante rótulos, Saner posee un estilo sombrío pero brillante; en él podemos apreciar la contínua representación de elementos inconográficos de la cultura mexicana, así como personajes y creaturas creadas a partir de estas raices y combinadas con la imaginación de este artista.

Sin más, aquí les dejamos algo del trabajo de este artista contemporáneo mexicano. Pueden visitar más en su página oficial. [LINK]

Stop motion

Hoy les comparto un video que se me hizo genial!!! espero y les guste amigos de DiseñaT y AnimaT

Animación 3-d de un rostro

Amigos blogeros, hoy navegando por YouTube encontré un pequeño video de animación hecho con maya! Chéquenlo!!!

Ilustración

Ashley Goldberg y Drew Bell son un par de creativos que trabajan de manera conjunta en su oficinas de Portland, OR. Su trabajo es básicamente ilustración y pintura, sus personajes tienen un aire combinado entre creaturas de historietas infantiles y adultos atrapados en cuerpos de niños.

Aquí les dejamos algo de su trabajo. Si les gusta pueden entrar en su web. [LINK]

El nuevo Corel Painter 12

Corel presentó la nueva versión de su software de pintura digital Corel Painter 12. Con esta nueva versión, Painter 12 combina las herramientas más avanzadas de ilustración y pintura digital realista dando a los artistas y fotógrafos muchas más opciones de libertad creativa.

Corel Painter12 es un software de arte y pintura profesional que ha sido diseñado específicamente para artistas por los propios artistas. Este estudio de pintura digital incluye cientos de pinceles y decenas de texturas de papel, acuarelas, pinturas, óleos y pasteles, pudiendo combinar y jugar con las características de cada uno de ellos como humedad, grado de textura, tamaño, espesor de pinceles y muchísimas más variantes, como sería en la vida real. Su compatibilidad con las tabletas Wacom y su combinación de herramientas de dibujo con medios naturales, pinceles sensibles a la presión y opciones de personalización prácticamente ilimitadas proporcionan libertad total en la creación de obras de arte.

Esta nueva versión presenta una amplia gama de herramientas que hacen a Painter el software líder del sector en pintura digital. Con la introducción de los nuevos pinceles de acuarelas realistas y de óleo húmedo, junto con las interesantes funciones creativas como el efecto caleidoscopio y la pintura simétrica, Painter 12 continúa redefiniendo los límites  en la creación de arte y pintura en medios digitales.

 Una nueva interfaz que simplifica la selección de pinceles, el desplazamiento de una imagen a otra y el flujo de trabajo.

• La compatibilidad con Adobe® Photoshop® permite conservar los colores y las capas.

• Los pinceles RealBristle y la compatibilidad con tabletas gráficasWacom® ofrecen la experiencia de pintura más realista que existe.

• Nueva pintura con efecto caleidoscopio que permite crear patrones y colores radiantes como ninguna otra herramienta de arte digital.

• Una nueva herramienta de pintura simétrica te ahorra tiempo a la hora de pintar objetos simétricos.

• Los nuevos pinceles de acuarelas realistas y de óleo húmedo proporcionan texturas y resultados más auténticos.

• Las categorías simplificadas de pinceles refinan aún más la selección de pinceles.

A echar a volar su imaginación

Fanáticos de la Helvetica

Es bien sabido que la Helvetica es una de las tipografías más populares entre diseñadores; sin embargo, sus creadores Max Miedinger y Eduard Hoffmann, posiblemente nunca se imaginaron que esta popularidad provocaria que diseñadores al rededor del mundo crearan una amplia gama de obras de arte realizadas en diferentes estilos de diseño tomando como fuente de inspiración a su tipografía.

La posibilidad de manipular e incorporar esta tipografía ha dado lugar a diseños como los siguientes:

Si quieres ver más diseños basados en esta popular tipografía, nosotros los encontramos aquí [LINK]

Algo de Japón!!

La cultura japonesa es, sin duda, excepcional. Su forma de trabajar, de concebir la vida, de crear; sus tradiciones, costumbres e historia, la hacen distinguirse de cualquier cultura occidental. Todo este cúmulo de razones impactan también en su forma de ser creativos, en la manera en que diseñan y sus formas de hacer publicidad. Los siguientes son algunos anuncios usados en Japón de 1894 a 1954:

¿qué les parecen? Si quieren ver más, aquí les dejo la liga del sitio dónde las encontré [LINK]

Diseño gráfico en México

Amigos les traigo un poco de historia sobre en Diseño en México


El diseño gráfico en México tiene una larga tradición. Muy pocos saben que la primera imprenta en México se establece en 1540, por parte de Giovanni Paoli, que funda el Taller casa de Juan Cromberger, un impresor alemán establecido en Sevilla, que tenía el capital para fundar una filial en la Nueva España

Otro de los antecedentes del diseño gráfico mexicano actual también puede encontrarse en la fundación de la Real Academia de San Carlos de las Nobles Artes, creada por Cédula Real el 25 de diciembre de 1783.

Aunque no puede hablarse de una formalización del diseño como disciplina específica sino hasta 1952 en los Talleres de Artesanos y en el Centro Superior de Artes Aplicadas, creado por el INBA en 1956, ambos establecidos en la Ciudad de México. A pesar de que en la enseñanza de ambas escuelas aún no había un claro deslinde del diseño gráfico con la del artesano o el artista, y aunque no les sea reconocido de manera oficial, estas instituciones abrieron el camino a la enseñanza del diseño en México.

Para algunos como Giovanni Troconi, el exilio español juega una pieza clave en esta historia, pues sería la Imprenta Madero (dirigida de 1962 a 1984 por Vicente Rojo un exiliado españo), la primera escuela no formal de diseño en México. Ahí se desarrollaron figuras que posteriormente serían claves para el diseño gráfico en el país. Los españoles crean una disciplina del oficio del diseño y forman a diseñadores.

Siguiendo con un poco de historia, la primera escuela de diseño en México como tal, la crea Bellas Artes (EDINBA), pero como no otorgaba el grado de licenciatura será la Universidad Iberoamericana (UIA) en quien recaiga el honor de ser la primera escuela de diseño gráfico en México. La Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) vendrá unos pocos años después con sus carreras de Diseño gráfico y Comunicación Visual Gráfica, hoy unificadas en un único plan de estudios bajo el título de“Diseño de la Comunicación Visual”. Es en esta epoca que se sientan las bases para replantear la profesión de diseñador gráfico, y se formula la especificidad de la actividad del diseño como un trabajo proyectual vinculado directamente con la producción industrial orientado a la solución de necesidades sociales.

Como quiera que sea, la historia del diseño gráfico en México es anterior a la gráfica de los los Juegos Olímpicos de 1968, como Lance Wyman y otros historiadores poco entendidos quiere hacernos creer.

Aprovecho estos prolegómenos sobre nuestra noble y a veces poco valorada profesión para compartir algunos recursos valiosos que a lo largo de los años he ido publicando en el blog. Espero que les sean de utilidad:

Kitty en la cultura Pop

No cabe duda de que este personaje trasciende en el mundo del diseño!! echen un vistazo!!

La serie de 101 representaciones de la cultura pop de Hello Kitty (aunque por ahora sólo tiene 68) del Illustrador Joseph Senior aka yodaflicker, resulta por decir lo menos sensacional.

Vale la pena echarle un vistazo a su set de Flikr, donde podremos ver a la popular gatita disfrazada de Ropocop, Darthvader, Rambo, Garfield, Capitán América y lo que se les ocurra.

Todas las ilustraciones de Hello Kity han pasado por Photoshop. ¡Lástima! Conozco a varias que pagarían lo que fuera por tenerlos.

Unas billeteras con diseño!!!!

Amigos de DiseñaT y AnimaT, no les gustaría tener una cartera así?

G Select es una tienda llena de artículos con diseños originales, en esta ocasión compartimos con ustedes la selección de billeteras con las que cuenta esta página.

¿A poco no les gustaría tener una de estas en su colección?

Si quieren ver más, las encuentran aquí [LINK]

Concurso de diseño de Latas

Como estudiantes de diseño este concurso te interesa, anímate y demuestra que eres el mejor!!! Suerte

El concurso consistirá en que los estudiantes de las siguientes Universidades: Universidad Iberoamericana (Nivel Nacional), Universidad del Valle de México (Nivel Nacional), Universidad Centro (Diseño, Cine y Televisión), UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México), ENAP (Escuela Nacional de Artes Plásticas), UDEM (Universidad de Monterrey), ITESM (Campus Ciudad de México y Campus Estado de México), UAM (Universidad Autónoma Metropolitana) y UIC (Universidad Intercontinental), tendrán la oportunidad de participar en el concurso de Lipton Ice Tea, de Pepsi Cola Mexicana, S. de R.L. de C.V., en los sucesivo LA COMPAÑÍA, para diseñar el arte de una lata de la edición limitada de las nuevas “Latas de Lipton”, que saldrá a la venta en el mercado por un máximo de seis meses, dependiendo los intereses de LA COMPAÑÍA.

Creo que aqui único FAIL de este concurso de esdejar de lado algunas otras universidades, pues yo estudio en la Universidad Anahuac Sur y no tengo oportunidad de concursar así como de otras universidades de diseño del país.

Para saber de las bases y premios visiten : http://www.tulatalipton.com.mx/

Un artista Visual

¿Qué pasa cuando el talento se trae desde chico? Se crean trabajos tan geniales como los de Jeremy Young, un chico de Nueva Zelanda, quien a sus 15 años desborda una increíble creatividad, excelente técnica y gran talento.

Basta con ver algunos de sus trabajos para quedar totalmente fascinados por los brillantes colores e increíbles detalles.
Lástima que no haya mucha información en la web sobre este talentoso chico.

8 principios básicos de animación!!!

Muchos recordamos las caricaturas o dibujos animados  de los 70´s u 80´s o incluso aquellos que se hicieron todavia en blanco y negro en la decada de los 50´s. A otros muchos nos tocó la época en que las peliculas con efectos especiales como Star Wars, Alien, o Tron vivían su apogeo a principios de los 80´s o recientemente Terminator, Matrix, Lord of the Rings y películas animadas como Toy Story, Cars o Shrek entre muchas otras.

No cabe duda que la tecnología que gira en torno a las producciones cinematográficas, spots televisivos, juegos de video y dibujos animados ha evolucionado a pasos gigantes al grado de poder crear por medio de computadoras escenas completas y/o efectos que hasta hace no muchos años eran innimaginables.

Todo esto es posible en la actualidad gracias a años de investigación y desarrollo tanto de hardware como software especializado para realizar estas tareas, ya sea con Maya, 3D Max, Cinema 4D, Motionbuilder, After Effects, Flame, Inferno, Combustion u otros más. Pero no son solo estos avances y el desarrollo de nuevo software lo que hace posible estas producciones. Animar no solo implica hacer mover o desplazar un objeto o personaje de un lugar a otro, saber animar significa dotarlo de vida, darles una personalidad y coherencia a los personajes u objetos que se están haciendo mover.

No importa si es un objeto de geometria básica o un personaje altamente complejo, incluso es posible dotar de personalidad a un cubo o una esfera. El reto es crear una conección emocional entre la audiencia y el objeto animado. Habría que recordar el corto animado de Pixar "Luxo Jr", en el cual vemos como personajes a dos típicas lamparas de arquitecto y una pelota. Son elementos como la iluminación, el "timing", la exageración, acciones secuendarias los que les dan vida; los que les dan personalidad y los que hicieron ganar un Oscar a un par de lamparas animadas.


La diferencia entre mover objetos y animarlos radica en los principios de la animación. Estos pueden ser aplicados por igual a las diferentes técnicas de animación ya sea stop motion, animación 2D, animación 3D, motion capture por poner algunos ejemplos; la técnica utilizada ira evolucionando con el tiempo, sin embargo tendremos que ir re-adaptando los principios a las nuevas tecnologías.

"Animar no solo implica hacer mover o desplazar un objeto o personaje de un lugar a otro, saber animar significa dotarlo de vida, darles una personalidad y coherencia a los personajes..." 

Los principios básicos de animación varían en cantidad dependiendo del animador o autor que sea consultado, hay quienes nombran 11, o quienes dicen que son 12 o incluso hasta 20. Pero los principios en los que que la mayoría de los animadores concuerdan como necesarios para una buena animación son los siguientes:

Anticipación: La anticipación guía la atención del espectador al lugar donde ocurrira una acción. Con el anticipo acentuado de determinado estado o movimiento le anuncia a la audiencia que algo está por suceder.

Squash y stretch: El exagerar las deformaciones permitidas de un objeto acentúa el movimiento, y dependiendo de la acción u objeto, es la sensación que dará. El clásico ejemplo es el utilizado al hacer botar una pelota, exagerando el grado de deformación que sufre al tocar el suelo y casi aplanarse, al igual que cuando llega al punto más alto del rebote alargandose lo más posible.

Acciones primarias y secundarias: En las secuencias animadas, los movimientos primarios van siempre acompañados de movimientos secundarios. Es decir el movimiento principal puede ser el personaje caminando de un lado a otro del "stage"  y habrán movimientos como el cabello, la ropa, los lentes, sombrero, u otros que serán la consecuencia del movimiento del personaje. Estos movimientos hay que cuidarlos mucho, ya sea que se traten de movimientos exagerados o mas reales, siempre darán mas naturalidad y vida a la animación.

Exageración: Ya comentamos en el punto anteriór los movimientos exagerados. Estos son usualmente utilizados en dibujos animados más que en animaciones realistas. La exageración ayuda a los personajes a remarcar la escencia de la acción. Recordemos en los dibujos animados, por ejemplo, un "pitcher" hace la anticipación al momento en que se prepara a lanzar la pelota, exagerando este movimiento en forma y tiempo, pudiendose combinar también con el "squash y stretch". Nosotros vamos a elegir que elementos vamos a utilizar y en que cantidad siempre dependiendo de la intención de nuestra animación.

Slow in - Slow out: Es una efecto o acción de alentar el movimiento al principio y al final de la acción. Algunos programas de animación 2D como flash se refieren a este efecto como "easy - in y ease - out". El efecto inverso también muy común sería fast-in y fast-out, donde se acelera el movimiento al inicio y al finalizar la acción. El uso correcto de cada uno de estos principios dependera al 100% del mensaje o sentimiento que se quiera transmitir.

Timing & Motion:  Se refiere a la velocidad en la que ocurre una acción, dandole al movimiento un sentido emocional y físico. Al animar y aplicar los elementos previamente enunciados, hay que tener en consideración el tiempo que tomara realizar aun personaje una acción, así como la reacción de este movimiento. Alargar demasiado tiempo la anticipación hara perder la atención del espectador, pero de hacerla demasiado corta corre el riesgo que no se llegue a percatar de lo sucedido. 

Timing y Motion se refiere también a la interrelación entre el tiempo y el movimiento con los personajes y sus accciones. Un personaje que se disponga a levantar una piedra deberá hacerlo mucho mas lento que si levantara una hoja de papel; sin importar que la acción sea la misma; el tiempo que le tome hacerla influira en la percepción que tenga el espectador así como en el mensaje que reciba.

Animar utilizando "arcos": Utilizar arcos se refiere al recorrido visual de un movimiento natural. La totalidad de los seres vivos tienen movimientos en recorridos curvos, nunca en perfectas lineas derechas. Nos referimos al movimiento que tendría hasta cierto punto un robot, es decir movimientos muy perfectos, sin utilizar slow-in y slow-out, con movimientos en tiempo y espacio muy lineares.

Personalidad: En cualquier serie, película o corto animado, es fácil para los espectadores seguir y comprender la historia cuando los personajes están bien definidos,  en diseño y personalidad. La audiencia suele conocer y reconocer a un personaje no solo por su voz o sus dialogos; sino también por sus posturas, expresiones corporales y faciales así como su forma de caminar. El diseñar un personaje implica no solamente diseñarlo fisicamente y dibujarlo, es necesario dotarlo de una personalidad, que el publico identifique no solo a un personaje alto y delgado de grandes pies, sino de un caminar timido, encorbado, inseguro y amigable (por decir), así el espectador podrá predecir o imaginarse lo que esta pensando y como es que actuará. La mayoría de las emociones y los pensamientos son expresados en el rostro, razón por la cual hay que tomar en cuenta no solo el movimiento corporal, sino los gestos comunes y característicos del personaje a diseñar. Un personaje sin personalidad será difícil de retener en la mente del espectador y será facilmente olvidado, ya que no habrá una característica única que lo haga especial.

Ya sea que se trate de un animador experto o que apenas te quieras dedicar a la animación, estos son algunos de los principios que sin lugar a dudas deberás de conocer, aprender y aplicar en todos tus proyectos. El software que utilices será una herramienta indispensable y que por necesidad deberás de aprender a fondo, sin embargo lo que le dara vida y hará que las animaciones destaquen y séan de llamar la atención será la creatividad y la buena aplicación de cada uno de estos principios.

Lo que se necesita para animar una toma en Toy Story 3

1.- Este storyboard fue dibujado por Jeff Pidgeon, artista de dibujo en Toy Story 3. Este es solo 1 de más de 500 dibujos realizados para la toma #300 por artistas de storyboard.

2.- Aqui se muestra una escena en la que se experimenta con el color y el diseño de nuevos personajes y escenarios. El arte fue realizado por Dice Tsutsumi, Director de Arte de Toy Story 3.

3.- Esta imagen muestra la cámara, la colocación de personajes y elementos en el escenario, todo esto es un paso antes del proceso de animación. La escena no está terminada aún por completo así como algunos personajes y juguetes no están presentes aquí.

4.- Los personajes principales y secundarios son animados en esta etapa. Además se le añaden materiales y texturas a cada uno de los personajes.

5.- La animación final de los personajes y los trajes o ropa es realizado aquí por medio de simulación dinámica para lograr una caída mas natural y movimientos reales de la ropa. En este punto se muestran los materiales, texturas e iluminación final.

El departamento de iluminación es responsable de integrar todos los elementos (personajes, ambientes, ropa y elementos secundarios) para crear la toma final. Decenas de luces son requeridas para dar los resultados que aquí podemos ver como la iluminación que pasa a través de los muebles, la del fondo de la imagen así como la interacción con cada uno de los materiales y objetos.

Hasta la próxima!!!